Martes 14 de Noviembre de 2017
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Pablo Beecher
En Fundacruz
Intramundos: Paz-Poveda-Cribani
“¿Cómo abarca el tiempo un dibujo?, ¿Qué universos están contenidos dentro de cada obra? Poder expresar en una obra sentimientos que nos atraviesan, construir ideas y plasmarlas mediante un trabajo activo que luego se detiene dando paso a una quietud… volver a revivir al momento del contacto con el espectador entrando en juego esa dinámica de darle vida en la interacción con la propia experiencia. Las representaciones envuelven ese mundo interior que aflora, son capullos que sugieren, capullos que engendran y guardan un proceso, un momento, una experiencia”.
Domingo 29 Oct 2017
Angelina Paz, Paula Cribani y Alicia Poveda.

Angelina Paz, Paula Cribani y Alicia Poveda.

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¿Cómo coincidieron?
Paula: Venimos trabajando y viendo la obra de cada una. Eso hizo que estemos más conectadas contantemente viendo lo que seguíamos haciendo y en donde presentábamos todas estas cosas que hacíamos, qué recorrido íbamos a hacer a partir del término de la escuela. Encontramos muchas cosas en común desde lo formal, desde el hacer de la obra y también en el concepto de nuestro trabajo. Si bien también tenemos obra que es distinta a esta y que tal vez es más diferente entre nosotras, logramos encontrar todo un grupo de obras que podía convivir y dialogar entre sí, que hablan de lo mismo desde lugares distintos y nos parecía que eso que ya estaba hecho, que ya estaba armado y en proceso de descanso para nosotras, podía convertirse en una oportunidad de exponerlo todo junto para que a la vista del espectador recobrara esa vida que tuvo cuando fue creado y pudiera dialogar ahora con otras personas, proponer esto de ver qué es lo que sucede con todo este concepto del interior, de los orígenes y de la estructura de cada uno, lo que llevamos dentro, la introspección, la meditación y tantas cosas.
En la sala principal de Fundacruz podrán ver que tenemos obras de las tres.

Hay obras con calado…
Hay obras con calado que por un lado es una forma de trabajar las mismas estructuras lineales que trabajo en el dibujo. Si se acercan verán que tienen muchas tramas. Es parte de la composición como para darle volumen a una figura y a la vez representa al tejido, como el tejido del cuerpo o las conexiones, espirituales y psicológicas. Como trabajo en grabado tallando madera, que es linografía, todo lo que es línea lo tallo y me pareció que podría hacer lo mismo calando papel y jugar con distintos tonos de color, algunos son más crema, otros más blancos o los que están elevados donde se proyecta cierta sombra y existe cierto juego del espacio y porque me gustan esos detalles… ¡de obsesiva quizás!

¿Cómo se inspiran?
Angelina: Me fijo mucho en las formas de las ramas de los árboles. Me encanta mirar las ramas y las raíces, la forma en que se van abriendo, y también el movimiento del agua, las nubes. Miro mucho imágenes de la naturaleza.

¿Cómo es la técnica?
Paula: La litografía es una de las técnicas tradicionales del grabado. La piedra litográfica es una piedra que se encuentra en las canteras de Alemania únicamente, entonces no es una piedra común. Tiene la característica de que absorbe las tintas grasas. Absorbe las grasas en realidad. Hay unas tintas especiales grasas y unos lápices grasos con los que se dibuja, la piedra absorbe esa grasa y cuando uno borra el dibujo, queda absorbido por la piedra, entonces al entintar -por un proceso químico que se hace agua y tinta- la tinta toma solamente la parte que tenía grasa y el dibujo vuelve a aparecer. 
Cuando ese dibujo aparece a través de la tinta uno puede imprimirlo en un papel todas las veces que se le ocurra, pueden hacerse tirajes larguísimos de una piedra.
Es una piedra bien lisa que además se pule antes de trabajarla y no se puede tocar porque quedan las huellas de la grasa de las manos, entonces debe ser todo muy pulcro.
Mis dibujos están hechos con tinta y retocados con lápiz en algunas partes, por ejemplo uno que es más realista está retocado con lápiz. Una vez que terminaste el tiraje, con la cantidad de copias que quisiste hacer, se vuelve a pulir la piedra para utilizarla nuevamente. Antes se hace una prueba para confirmar que no haya quedado ninguna huella.
En Buenos Aires funcionan tres talleres de litografía importantes donde se puede utilizar las piedras e imprimir. Al margen de eso hay otras técnicas menos convencionales con nuevos materiales, más modernos, sobre chapas, chapas fotosensibles, que permiten trabajar de la misma manera que sobre una piedra, sin embargo son litografías actuales. 
Angelina: Además para la litografía tradicional se utiliza una prensa especial. En cambio, éstas chapas de aluminio pre sensibilizadas son muy finitas y pueden trabajarse con una prensa común. Este es un beneficio. 
Paula: Yo trabajo en general con rostros, tanto en la litografía como en el dibujo, la xilografía. Todo mi trabajo ronda siempre en lo que le pasa a las personas internamente a través de los procesos que suceden en la vida, entonces siempre pongo un rostro en representación de esa persona. En este caso elegimos mayormente retratos femeninos para esta muestra en particular, pero pueden ser también retratos masculinos y utilizo muchos rostros con cabezas sin pelo en los que no puede distinguirse si se trata de mujeres u hombres para focalizar en lo que le pasa a esa persona independientemente de su género.
El tema de los tamaños… Poder trabajar en formatos muy pequeños y después en otros muy grandes tiene que ver con la necesidad del espacio según el momento que la persona está transitando. Unos más cerrados, más oscuros, que tienen que ver con una introspección y otros que necesitan como un espacio aéreo más libre y de poder respirar.
Alicia: Me gusta trabajar mucho con lápices. En un momento me empecé a interesar en qué efecto podía lograrse. En la Escuela de Bellas Artes o en los talleres era una regla el hecho de ir al lápiz más duro o del más duro al más blando y no podía usarse un 6H -que es el más finito- y pasar a un 8B -que es el más grueso- “¿por qué no?”, entonces empecé a jugar usando lápices finitos que hacen la línea que al lado del 8B se ve como si fuera blanca, pero que en realidad es un gris muy finito, entonces una vez que está dibujado con un lápiz más finito -que queda ese gris que es casi blanco- trabajo con el 8B arriba y pareciera que queda el surco como si fuera la línea blanca. 

Observamos árboles en varias de las obras…
Alicia: Me gustó empezar a trabajar el tema de la corteza de los árboles con esa técnica porque también -como Angelina- me encantan los árboles. Me gusta además lo que simboliza lo que nace de la tierra, lo que nace casi imperceptible y llega a una inmensidad a través de los años. Me gusta lo que representa. Es el símbolo de la vida para muchos. Me gusta ver el tema de la relación del hombre con la naturaleza y encontrar simbologías en las ideas que surgen como si fueran cosas que nacen de uno, por eso el dibujo intercalado con formas naturales o también cuando uno siente algo en el pecho, como algo que nace, con una sensación muy fuerte, por eso me gusta trabajar simbólicamente las plantas. 
Angelina: Además también el árbol por la imagen de la raíz que es el origen y lo que crece y se ramifica como la genealogía familiar o de emociones que afloran en cada persona. Por lo menos yo lo veo desde la parte de la tierra a la que uno se aferra y el cielo como lo más espiritual, lo que se eleva, la trascendencia.
Alicia: Me gusta también trabajar con rostros, coincido con Paula, el tema de representar un estado de una persona. El gesto es lo que más muestra la emoción naturalmente. Me gusta mucho mirar fotografías y a veces encuentro determinados gestos que me motivan a trabajar sobre eso. Hago tipo collages de fotografías y me gusta que sea un poco como algo que se dice pero que no se termina de decir, inducir algo, pero que queda abierto.
¿Utilizan fotografías o modelos en vivo?
Paula: Yo creo que la figura humana, el ejercicio de hacer dibujo vivo es muy importante porque ahí podes captar muchas cosas que en una fotografía no llegas a ver porque ya se perdieron. Depende de la fotografía, pero hay determinadas cosas que se perdieron en la fotografía como para permitirte luego a vos representar a partir de ese ser humano en vivo, el ser humano que vos querés. 
Alicia: Yo miro mucho fotos, pero después trabajo sin el modelo. Hago bocetos como para volver a repasar la anatomía, pero invento casi todo.
Paula: Sí usé muchas veces espejo para los rostros.
Angelina: Fotos, modelos y armaba las figuras en base a recuerdos, espejo, capaz yo me tomaba una foto en determinada pose, pero siempre desde el ejercicio de tratar de memorizar. Sí la foto como para tratar de tener una referencia de determinadas cosas muy puntuales, detalles, que desde la memoria no lo podría hacer, entonces en ese caso recurro a la fotografía, por eso a veces es como un collage de fotos porque tomo algo de una foto, otra cosa de otra, voy armando el rostro a partir de recuerdos fotográficos.
Paula: El dominio de la figura ya tiene que tener como un ejercicio donde este tema de la fotografía más que nada que no se tome como que puede ser el ejercicio correcto porque de pronto te van a faltar un montón de cosas que si no estás con la práctica del dibujo con modelo no le llegas a adquirir.

El hecho de que no haya colores: ¿En qué limita y qué aporta?
Angelina: En este caso lo hicimos casi todo en blanco y negro -sólo traje dos mono copias que tienen un poco de color- como para que haya una unificación y no sea todo tan variado, pero me parece que depende a veces de lo que no busca con cada trabajo, yo en general si es grafito hago siempre en negro y lo que estoy haciendo ahora con pastel tiza son azules. Cuando pinto uso mucho el azul. El gafito de color casi nunca uso.
Paula: Yo mayormente trabajo monocromías, la verdad no sabría decir por qué, creo que es cuestión de gusto, encuentro en los blancos y los negros una variedad de grises infinita que me llevan al punto de no necesitar el color al menos en esta etapa.
Alicia: En mi caso estoy dividida porque cuando pinto no uso blanco y negro, es todo color, después, no sé, también, por necesidad interna, lo que hago en pintura no tiene mucha relación con lo que hago en dibujo, entonces son como dos lenguajes que, depende mi estado de ánimo, voy a uno o voy al otro. El blanco y negro y la escala de grises tiene algo que cada tanto es necesario ir ahí.
Paula: Cuando trabajo una mezcla de tinta y grafito, por ejemplo, primero trabajo las manchas y después, según lo que la mancha me sugiere, voy al resto que todavía no sé qué va a ser cuando tengo la mancha. En un caso surgió una serie de tormentas, cuatro, que fueron a partir de esas manchas que ya me mostraron las nubes y a partir de ahí salió toda la serie a la que luego le agregué la posibilidad de tener un personaje independiente porque son obras que pueden funcionar tanto juntas como por separado.
Ellas trabajan mucho con el tema de los árboles y yo voy más al paisaje, los cielos o cielo y tierra y ahí es donde las tres entramos en la cuestión de la naturaleza.

¿Qué pueden decir del soporte papel? 
Paula: En cuanto a los papeles… es un tema, siempre de acuarela, de algodón, papeles gruesos, que soporten el agua. En los tamaños grandes también es bueno que el papel tenga un buen gramaje porque tienen que soportar el traslado y mantenerse colgados. El papel es fundamental.
Domingo 29 Oct 2017